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5 Minutes That Will Make You Love the Trumpet

5 Minutes That Will Make You Love the Trumpet

In der Vergangenheit haben wir die fünf Minuten gewählt, die wir spielen würden, damit sich unsere Freunde in klassische Musik, Klavier, Oper, Cello, Mozart, Komponisten des 21. Streichquartette, Tenöre, Brahms, Chormusik, Schlagzeug, Sinfonien und Strawinsky.

Jetzt wollen wir diese neugierigen Freunde davon überzeugen, die Trompete zu lieben. Wir hoffen, Sie finden hier viel zu entdecken und zu genießen; Hinterlasse deine Favoriten in den Kommentaren.

Der musikalische Begriff „Intrada“ suggeriert eine Fanfare, Musik, die einen Eingang markiert. Dieses 1947 vom Schweizer Komponisten Arthur Honegger geschriebene Buch fängt die vielen Persönlichkeiten der Trompete ein: edel und bombastisch, verschmitzt und meditativ. Hakan Hardenberger gleitet nahtlos zwischen diesen Stimmungen und treibt die Energie durch das ausgelassene Finale.

Hier ist mein leidenschaftlicher Ruf, die Trompete zu verstehen! Sehen Sie das Ausrufezeichen? Das macht eine Trompete. Es unterstreicht Emotionen. Mein Trompetenlehrer Bill Fielder fragte immer: “Was ist die Trompete?” Ich würde einen Moment nachdenken und eine enzyklopädische Antwort anbieten wie „Ein Metallinstrument mit … bla, bla, bla“. Dazu sagte Mr. Fielder: “Es ist ein Spiegel Ihres Geistes.”

Normalerweise würde ich Sie einladen, Miles Davis’ „Porgy and Bess“ zu hören, eine klassische Zusammenarbeit zwischen Miles und Gil Evans. Dieses Album bereitete die Bühne für Leute, die anders über Orchester und Jazz denken. Aber während ich dies schreibe, war gestern der 16. Jahrestag des Hurrikans Katrina. Mein Song „Funeral Dirge“ vom Album „A Tale of God’s Will“, der ursprünglich für den Soundtrack von Spike Lees erstem Katrina-Dokumentarfilm „When the Levees Broke“ komponiert wurde, verfolgt mich noch heute. Eigentlich habe ich nicht das Gefühl, dass ich es komponiert habe. Ich habe das Gefühl, es würde mir zugeschrieen: mein persönlicher Ruf, meine Heimatstadt New Orleans zu hören und zu weinen.

Leichen schweben. Leichen auf Autos. Leichen im Gras. Leichen an Orten, die ich kannte. Leichen in Vierteln, in denen ich aufgewachsen bin. Ich habe diese Leichen in den Rohaufnahmen von Spikes Dokumentarfilm gesehen. Eine Leiche, die ich im Video nicht gesehen habe, war die eines alten Freundes aus der Nachbarschaft, der starb, als er versuchte, den Menschen zu helfen, auf ihren Dächern zu bleiben, während darunter die Fluten tobten. Ich habe noch nie so viel geweint, Tränen vergossen für die vielen Leichen, die ich sah, und die vielen, vielen anderen, die ich nicht sah. Dieses Klagelied ist mein Tribut an diese tapferen, tapferen, gefallenen Helden. Gott segne diese Seelen von Katrina – und heute diese Seelen von Ida.

Konventionelle Weisheit besagt, dass Louis Armstrongs Höhepunkt mit seinen bahnbrechenden Aufnahmen aus den späten 1920er und frühen 30er Jahren erreicht wurde. Glauben Sie es nicht! Er blieb bis weit in die Mitte des Jahrhunderts eine starke kreative Kraft, und seine Aufführung von „Dear Old Southland“ im Rathaus von 1947 zeigt, wie er sein Verständnis einer Melodie weiter vertiefte.

Diese Duo-Interpretation mit dem Pianisten Dick Cary beginnt als ein Geständnis mit steifer Oberlippe; die einleitenden Trompetenlinien deuten auf einen Redner hin, der auf sanfte Weise etwas Traurigkeit anvertraut. Aber schließlich löst sich der Versuch, den Schein aufrechtzuerhalten, auf, als Armstrong Schwärme von aufgewühlten Gefühlen aussendet. Die strahlende Sicherheit seiner Technik – Noten biegen, nach neuen Höhepunkten greifen – verleiht dieser sich entwirrenden unverwechselbaren Würde. Und der kurze Hinweis des Endes auf eine schreitende, sonnigere Zukunft bietet einen weiteren Blick auf die Formbarkeit einer Seele.

Am besten lernt man ein Instrument kennen, indem man dafür schreibt. Es ist, als würde man jemanden gut kennenlernen; Sie lernen ihre Stärken, ihre Schwächen. Die Trompete hat einen sehr begrenzten Tonumfang: Dieses Stück mit vier Trompeten zu schreiben war wie im Gefängnis, weil der Tonumfang so klein ist; Es ist wie vier Leute in einem kleinen Raum. Aber innerhalb dieser zweieinhalb Oktaven kann es wirklich klettern. Wenn Sie von A nach C gehen, ist es, als würden Sie vom Keller in den Himmel gehen.

Wer hätte gedacht, dass Licht, das Licht berührt, mit Verständnis verbunden ist, dass Inspiration und Kreativität im Herzen und in der Seele eines wahren Künstlers verbunden sind? Miles Davis’ „Calypso Frelimo“ zu hören, war für mich ein inspirierter Moment der Musik als Kunst.

Das Stück beginnt auf einem erschreckend intensiven Niveau. Zuerst das Trompetensolo, wunderschön inspirierte Musik mit lang- und kurz wechselnden Klängen, brüllende Glissando-Multiphonics, durchsetzt mit nuancierten Mikro-Sonics: pure melodische Entwicklung mit einer kreativen Bandbreite, die von Emotionen gepaart ist, und genau das richtige Maß an Raum und Stille, die perfekt gewölbt sind eine weite, stille Umgebung auf mysteriöse Weise, ohne Anstrengung.

Als ich zum ersten Mal eine Aufnahme von Mahlers Symphonie Nr. 3 hörte, war ich fasziniert von der Metamorphose des Trompetenklangs zum beredten, fernen Timbre des Posthorns, das im dritten Satz aus dem Off tritt. Dies war Leonard Bernsteins Version mit dem New York Philharmonic, mit John Ware als Solo, und als sehr junger Trompeter, der mit kommerzieller und afrokubanischer Musik aufgewachsen war, hatte ich noch nie eine so einfache und doch ergreifende Melodie gehört. Es war eines der Hörerlebnisse, das meine frühe Karriere als Sinfonieorchester-Musiker am stärksten beeinflusst hat.

Kenny Dorham (1924-72) erregte mit Gabriel-ähnlicher Kraft und Bravourtechnik keine Aufmerksamkeit. Als Liebling von Jazzkennern verführte er die Zuhörer mit der gefühlvollen Wärme, dem farbenfrohen Witz und der zurückhaltenden Weisheit des angesagtesten Lebemanns der Szene. Alles an seiner Herangehensweise an Trompete und Improvisation war ausdrucksstark, entspannt und persönlich. Die gesprenkelten Schlieren seines dämmrigen Tons und die flirtende Sprungkraft, die er 1959 zum Standard „I Had the Craziest Dream“ bringt, lassen Ihr Herz schnurstracks treffen. Seine improvisierten Phrasen mit lässigem Charme verzaubern mit raffinierten melodischen und rhythmischen Reimen und pikanter Tonwahl. Er erzählt eine Geschichte, lädt Sie in seinen Traum ein – in den Sie sich nicht nur in die Trompete, sondern auch in den Mann mit dem Horn verlieben.

Jedes Jahr kommt der „Messias“ und jedes Jahr, fast am Ende, kommt der Moment, den Atem anzuhalten. Viele Aufführungen von Händels klassischem Oratorium finden heute auf historischen Instrumenten statt, und die Barocktrompete ist ein unhandliches Tier: lang, gerade und ohne die Ventile, die es Spielern moderner Trompeten ermöglichen, Töne zuverlässig zu treffen. Auch wenn es hoffentlich nicht danach klingt, ist der schwebende, engelhafte, königliche Solopart, der diese Bass-Arie krönt, eine gnadenlose Prüfung des Könnens, da der Spieler den Tag des Gerichts ankündigt – und seinen eigenen erträgt.

1958 beauftragte mein Vater, der Dirigent Felix Slatkin, den Komponisten Leo Arnaud, Stücke zu schaffen, die das damals neue Audioformat Stereo demonstrieren sollten. Unter Verwendung verschiedener Militärfanfaren sowie Originalmelodien enthielt “Bugler’s Dream” das, was als “The Olympic Fanfare” bekannt wurde. Der Track wurde auf einem Capitol Records-Album namens “Charge!” und wurde mehrfach neu aufgelegt.

Mit Trompeten aller Größen und der Aufteilung der Musiker auf zwei verschiedene Studios, gab es einfach keine bessere Möglichkeit, nicht nur die neue Technik, sondern auch das unglaubliche Können der 26 Spieler zu zeigen. Wenn Sie die Trompete nach dem Hören nicht lieben, empfehle ich den Track, der die 12 Dudelsackspieler enthält.

Die Trompete ist eine Länge des unmöglichen Lotens – körperlich anstrengend und launisch – und das Spielen beinhaltet einen Akt der illusorischen Kontrolle. Trompeter geben im besten Fall einen Teil dieser Täuschung auf, und ihre Unvollkommenheit lässt den Hörer in ein Geheimnis einweihen: die Menschlichkeit des Musikers. Sie streben nach etwas Essentiellem und das Scheitern, es zu erreichen, zeigt ihre wahre Virtuosität. Was Ron Miles auf „Witness“ erreicht, erfordert, dass er über seine erstaunliche Technik hinausgeht, und der herzzerreißende Klang, der aus seinem Brechen der Illusion entsteht, ist die Trompete in ihrer grundlegendsten Form: verletzlich, virtuos und echt.

Nicht weniger als 14 Trompeten (und 11 weitere Blechbläser) lodern mächtig durch das Fanfarenfinale von Janaceks Sinfonietta. Das Werk wurde 1926 anlässlich der Eröffnung eines Massenturnfestivals geschrieben, das teils Fitness-Bonanza, teils Explosion des tschechischen Nationalstolzes war. Ein Lobgesang der Streitkräfte klingt schrecklich, aber Janacek hat etwas Lokales – ein Porträt seiner Heimatstadt Brünn – und Universales geschaffen. Die Musik spiegelt nicht reaktionären Jargon wider, sondern wilde Befreiung.

Johnny Coles malt ein Spektrum der Klangfarbenmöglichkeiten der Trompete vom Feinsten: sanfte Blues, goldene Buttertöne und dreiste Orangen, die eine zarte Unterseite des Horns offenbaren. Er lässt leicht vergessen, dass die Trompete als Instrument der Fanfare und des Krieges geboren wurde. Aber letztendlich ist es die Ausdrucksbreite, die ich hier am meisten liebe, die Räume, die übrig bleiben, um diese Farben zum Vorschein zu bringen. Und während Coles’ harmonische Konturen hauptsächlich innerhalb der Linien gleiten, bringen die flüchtigen Momente, in denen die Trompete nach draußen schlüpft – verschmierend, geschwungen, hochfliegend – eine purpurfarbene Schönheit hervor, die den Blues in einer weiblichen Form erklingen lässt.

In dieser Aufnahme fasziniert mich, wie die Trompete die Botschaft des Liedes so klar wie der Text ausdrückt. In meiner Karriere habe ich aus erster Hand gesehen, wie die Kompositionen von Gabriella Smith, die Poesie von Paul Simon und die Kraft von Justin Vernons Stimme eine Vielzahl von Gefühlen so direkt ausdrücken können. Wenn Sie Musik als die Vermittlung komplexer menschlicher Emotionen von einem Künstler an einen Hörer durch Klang denken – und wenn Sie klassische Musik im weiteren Sinne der amerikanischen Tradition betrachten –, macht das niemand besser als Louis Armstrong. Was mich anfangs an die Trompete zog und mich immer wieder anzieht, ist die Ähnlichkeit des Klangs mit der menschlichen Stimme, sowohl in seinen Ausdrucksmöglichkeiten als auch in seinen Produktionsmitteln: Atem, Schwingung, Projektion.

Alessandro Ignazio Marcellos Konzert in c-Moll war ursprünglich ein Oboenkonzert, wurde aber seitdem für andere Instrumente adaptiert, und eine seiner bekannteren Aufnahmen zeigt Tine Thing Helseth auf der Piccolo-Trompete. Als ich dieses Stück zum ersten Mal hörte, war ich in der sechsten Klasse. Ich wusste damals nicht, was eine Piccolo-Trompete ist, aber ich wusste, dass ich irgendwann in meiner Karriere einen Punkt erreichen wollte, an dem ich in der Lage sein würde, ein so reichhaltiges und interessantes Stück wie dieses zu spielen.

Leroy Anderson, der Meister der leichten Orchesterminiatur, erinnerte sich daran, dass sein 1949er Stück „A Trumpeter’s Holiday“ seinen Ursprung hinter den Kulissen eines Boston Pops-Konzerts hatte. Der große Trompeter Roger Voisin, damals Rektor der Pops, beklagte sich, dass Trompetenwerke dazu neigten, laut, martialisch und triumphierend zu sein. Voisin schlug Anderson vor, etwas anderes zu schreiben.

Das Ergebnis war dieses sanfte Schlaflied. Natürlich war es immer noch ein Trompetenstück, so dass Anderson nicht umhin konnte, jazzige Passagen einfließen zu lassen: Die betörende Melodie hat eine leicht sprunghafte Tonwiederholung, auch wenn das Orchester im Hintergrund eine einlullende Stimmung beibehält, und einen Mittelteil wird unruhig und synkopiert in einem Moment des Unfugs.

Als Kind, das Geige spielt, schätzte ich die Trompete langsam, die wie andere Blechblasinstrumente temperamentvoll und ausdrucksresistent wirkte – insbesondere im Vergleich zu Streichern. Wie falsch ich lag. Nehmen Sie den Donnerstagsteil von Karlheinz Stockhausens siebentägigem Opernzyklus „Licht“. Das Drama des zweiten Akts, „Michaels Reise um die Erde“, entfaltet sich mit den Figuren, die mit Instrumenten dargestellt werden, nicht mit Singstimmen. In diesem Ausschnitt liefern sich Michael (dargestellt von einer Trompete) und Eva (ein Bassetthorn) ein Duett, das kokett, witzig und – entgegen meiner naiven Annahme – voller Menschlichkeit ist.

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‘Annette’ Evaluate: Love Hurts – The New York Occasions

‘Annette’ Review: Love Hurts - The New York Times

“Annette” is a musical about the unfortunate romance between two artists, a description that suggests an obvious relationship with “La La Land” and “A Star is Born”. Not for playing algorithms or anything, but if you enjoyed these movies, you will probably like this one too.

Or maybe not. While more or less part of the enduring genre of the backstage musical, “Annette” aims to be something darker and stranger than yet another fearful melodrama about the entanglements of ambition and love. It has some modern operas in its DNA – a garish strand of violence, madness and demonic passion that is reminiscent of Vienna or Berlin before World War II as well as classic Hollywood. Instead of breaking out into song or dance at appropriate moments, the characters pour their tortured consciousness through lyrics that are never as simple as they sound.

“We love each other so much.” That’s the chorus that stays in your head when you look at the tragic story of Henry McHenry (Adam Driver) and Ann Defrasnoux (Marion Cotillard), a performance artist and opera soprano whose marriage is catnip to the tabloid media . Their love is the premise of the film and its central dramatic problem. It’s also a red herring in a way. The sexual bliss and emotional relationship that fill the first act give way to anger and alienation, but this isn’t just a love story with a sad ending. It is more of a case study, a critique of romantic mythology on which its appeal seems to depend.

“Annette” is a collaboration between Ron and Russell Mael – better known as the long-lived, pigeonhole band Sparks – and director Leos Carax. “Annette” begins with an overture in the key of anti-realism. The Mael brothers who wrote both the script and the songs are in the recording studio. Carax and his daughter Nastya are sitting behind the mixer. The cast and crew take to the streets, and Driver and Cotillard slowly get drawn into their characters. He puts on a flowing dark wig and then a motorcycle helmet. She gets into a black SUV. You are now Henry and Ann. The boundary between artificiality and reality is clearly marked for us; for these two it will be blurry, permeable, and treacherous.

Carax, whose feverishly imaginative features include “Pola X” and “Holy Motors”, has never used the naturalism that most filmmakers use as a guide. The world of “Annette” has some familiar place names (including Tokyo, London and Rio, although most of it is set in Los Angeles), but it is a land beyond the literal, a product of set design, dream logic and hallucinatory expressionism. The fact that the characters sing more than they talk – even during sex – is in some ways the least weird thing about the film, which casts a series of mechanical puppets in the title role.

Annette is the name of Ann and Henry’s daughter, and to explain her centrality to the narrative, one could risk a spoiler or two. Not that the plot is terribly complicated or surprising; it unfolds with the relentless dynamic of a nightmare. First comes love, then marriage, then Annette comes in the stroller. What follows is drunkenness and murder; Shipwreck, ghosts and guilt.

But let’s go back to the beginning, Henry and Ann in their mutual enchantment. While everyone has a thriving career, it is Henry who gets the most attention. It’s partly charisma, partly narcissism and completely in line with his identity as an artist. He is the star and writer of “The Ape of God,” a one-man show (with backing singers) that deals with the kind of bellicose self-expression that popular culture sometimes confuses with honesty.

Henry storms onto the stage in a hooded bathrobe that opens to reveal tight boxer shorts and an impressively sculpted torso, preaching to the audience with intimate, often disgusting confessions. Shame and bravery are the changing currents of his deed, tensed by a hyper-articulate, cynical self-confidence. The audience laughs even though Henry isn’t telling jokes, but rather challenges the public to take his aggression seriously.

Is he an internal critic of toxic masculinity, or an exceptionally attractive example of it? That may be a distinction without a distinction. With Henry, as with some of his hypothetical real-life analogies, it is difficult to separate art from artist because the defiance of such a separation is the whole point of his art.

Ann is a different kind of artist and a less insistent presence in film. She seems at times to step back in the shadow of her husband’s larger, purer personality. This can seem like a failure of the filmmakers’ imagination, who portray them as the object of Henry’s lust, jealousy, and resentment rather than a creative force in its own right. She has more in common with the Cotillard characters in “Public Enemies” and “Inception” than with those in “Rust and Bone” or “La Vie en Rose”.

This imbalance turns out to be crucial in this film’s indictment of the cruelty excused in the name of the genius, his relentless dissection of masculine claims. This is less of a love story than a monster movie about a man unable to grasp the full reality of other people including his own wife and child. (The “not all men” objection is embodied by Simon Helberg, who plays a conductor who is Henry’s occasional rival for Ann’s affection.) The consequences are fatal, and the final reckoning is as devastating as anything I’ve come across in a recent one Saw the movie. musical or not.

Driver, whose so far best roles as restless men in the theater were (see also “Girls” and “Marriage Story”), wasted no energy to make Henry sympathetic or to exaggerate his villains. Instead, he’s completely believable, not because you understand Henry’s psychological makeup, but precisely because you can’t. His megalomania distorts everything. He’s not larger than life, but he thinks he is, and Driver’s performance perfectly matches that contradiction.

“Annette” masters her own paradoxes. It’s a highly cerebral, formally complex film about unbridled emotions. A work of art that is driven by a skepticism about where art comes from and why we value it the way we do. A fantastic film that challenges some of our culture’s most cherished fantasies. Totally unreal and absolutely true.

Annette
Rated R for Sturm und Drang. Running time: 2 hours 19 minutes. In theaters. On Amazon, August 20.

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5 Minutes That Will Make You Love Stravinsky

5 Minutes That Will Make You Love Stravinsky

In the past we have chosen the five minutes we would play to allow our friends to immerse themselves in classical music, piano, opera, cello, Mozart, composers of the 21st, string quartets, tenors, Brahms, choral music, drums and symphonies.

Now let’s convince these curious friends to love Igor Stravinsky, possibly the most comprehensive and influential composer of the 20th century and an inspiration to some of George Balanchine’s ballet masterpieces. We hope you will find plenty to discover and enjoy here; Leave your favorites in the comments.

When I think of Stravinsky, the first thing that comes to mind is the beginning of the second part of “The Rite of Spring” – “The Sacrifice”. I remember the video Leonard Bernstein made during his rehearsals and his heavy use in Disney’s “Fantasia” when dinosaurs roam the earth. It’s a quiet, tense moment after all the decibels before and after. Seeing Bernstein rehearsing and hearing how he conducts this passage underscores what is special and lively about this part of the score. To my ears it is the best example of how primitive, intuitive and wild music could be in the early 20th century.

I was 12 years old when I first heard this music in 1960. The ballet scores by Tchaikovsky, Glasunov, Delibes and many others were already in my bones, but that was all I had turned upside down and turned upside down. The rhythms were fresh, exciting and completely foreign. The National Ballet of Cuba was in Riga, Latvia, my hometown, and danced Balanchine’s “Apollon Musagète”, his first collaboration with Stravinsky and the ballet he later called “his artistic growing up”. He was 24, Stravinsky 46. It was from these two Russian modernists and a cast of beautiful Cuban dancers that my first intoxicating taster course came to the West.

Stravinsky’s Concerto in E flat major for 15 instruments – always known as “Dumbarton Oaks” after the Washington mansion where it was premiered in 1938 – is wonderfully typical of his so-called neoclassicism, as it is not at all classical: the model is Bach, and in any case, this model will be abandoned after the brilliant opening, an obvious nativity scene from the Third Brandenburg Concert. Stravinsky soon picked up his own small motifs, played around with them, played around with the rhythm and the bar lines and generally stimulated expectations. The first movement is one of the happiest pieces in modern music. The other two sentences are great too, but you can’t have it all.

Led into decadence and ruin, the young Tom Rakewell, protagonist of Stravinsky’s opera “The Rake’s Progress” from 1951, is sent to an asylum and visited by the always loyal Anne Trulove. She sings him a lullaby “Gently, little boat” with words by WH Auden and Chester Kallman – music that is beguiling in its simplicity, for soprano and only two flutes. Between his stanzas, the other inmates, listening from their cells, sing choruses, wondering what these “heavenly sounds” are, bringing comfort to their “tormented brains”. Finally, Anne’s father joins her in a short, solemn duet, a farewell blessing for Tom that unfolds over steady, baroque bass lines.

The “Scherzo à la Russe” is a treasure trove of great rhythms that, like so much in Stravinsky’s music, make my body want to move. This miniature piece is bursting with color, taste and refreshing juxtaposition. I first heard it as a young dancer at the School of American Ballet, where I learned how Balanchine formed music into three-dimensional shapes. Just like his choreography, this music is built on complementary but opposing forces. Elegant and powerful, funny and lively, the piece is a perfect puzzle of musical ideas. For me it is part music box and part marching band, played with the accuracy of a Swiss watch and the taste of a spicy Russian hors d’oeuvre. A jewel that makes you want more.

The premise of this ballet oratorio could hardly be cozier: everyone is preparing for a provincial Russian wedding. But Stravinsky gave even the sociable village life the mysterious, wild beauty of “The Rite of Spring”, which he had written a few years earlier. Although he was considering a huge “Rite” -size orchestra for “Les Noces”, he eventually reduced the score to parts and drums, including four pianos. The result is rich and simple, primitive and complex. Stravinsky resorted to folklore and showed the timelessness in the heart of modernity.

From 1918 onwards, Stravinsky referred to early jazz in works such as “Ragtime” and “L’Histoire du Soldat”. But in his “Ebony Concerto” – which he wrote in 1945 for the group of clarinetist Woody Herman – he brought American elements to the table most effectively. Without pretending to be jazz, it honors the modernity inherent in this genre.

Before the clarinet can shine, Stravinsky shows a feeling for the division of the works between trumpet and reed sections, a riff on swing-era orchestras. Accelerations (and feinting) in the first movement suggest an affinity for the bebop of Charlie Parker, who admired Stravinsky. The mixture of curved melody and exuberant structure is reminiscent of the danceable exuberance of his ballets.

Trumpeter Lewis “Flip” Barnes first led us to Stravinsky’s nasty, labyrinthine conglomeration “The Rite of Spring”. But it was the video of the dance theater climber Pina Bausch from 1975, the fever dream adaptation, the stage covered with wet earth, that made us realize that “The Rite” made the violence of nature in bloom and sexual assault analogue.

In 2004, Burnt Sugar the Arkestra Chamber asked Butch Morris to adapt six of the most vicious motifs from the first movement of the work and then develop a signature studio “line”. The result, “The Rites,” addresses the blackest aspect of Stravinsky: the inner friction between his mastery of the European form and his alienation in Hollywood as a non-Western exile. George Lewis once told us that jazz musicians love “The Rite” because it has so much “booty” and Stravinsky was booted with the underdog blues in La La Land. Postmodern blacks can identify themselves – and can restart and re-groove with Bruh Igor’s funky symphonic Mutha with guitars, cellos, farfisas and turntables.

Stravinsky grumpily wrote of his octet: “In general, I think that music can only solve musical problems and nothing else. Neither the literary nor the picturesque can be of interest to music. ”There is no reason to agree, because the middle movement of his first classicist masterpiece has one of his greatest melodic inspirations, a simple march that is easy due to an unspecified weakness seems offended. As the variations gain momentum, a pair of these Stravinsky instruments, the bassoon, create an irresistible bass line. It’s 1922 baby

Hey, Petrushka! What works? Have you exchanged the elemental force of the “Spring Rite” for a baroque costume? How did you get your soldier friend’s violin soul back that the devil won in a card game? The bow inexorably saws the strings, like a mad tightrope walker. Delirium! Brass cackle like chickens; Do you remember the Russian Muzhik: your first musical impression in childhood, he sat on a tree trunk and made indecent noises with his hands. Well, now he’s laughing from heaven – dancing with Bach. Fools, find me a balalaika in New York!

Stravinsky was Russian. But in his 88 years he was also a Parisian, an Angeleno, a New Yorker. And his music has a similarly wide range – even within a certain form like ballet, in which his work includes the explosive “Rite of Spring”, the neoclassical “Apollo” and the serialist “Agon”. He wasn’t just a chameleon, however. Listen to this sentence from the “Symphony of Psalms”: It is firmly neoclassical, an ingeniously designed double fugue with vocal lines that are layered in dense counterpoint and satisfactory resolution. But even if you recall a much earlier period in music history, Stravinsky’s sound is, as always, absolutely distinctive and extremely modern.

The “Suite Italienne” is a collection of themes from Stravinsky’s ballet “Pulcinella”, which was partly inspired by Italian baroque music. While the “Suite Italienne” may seem deceptively traditional at first glance, the composer’s disrespectful streak shines through. In this recording of the last movement by cellist Gregor Piatigorsky (who worked with Stravinsky on the arrangement) and violinist Jascha Heifetz, the music is stately and reserved before it culminates in euphoric fanfare.

The piano transcription of “Petrushka” represents a kind of Everest for a pianist. It not only requires enormous challenges in terms of virtuosity, but also demands a whole world of colorful dances and folklore from the hands of a single musician. When I started learning it I thought the orchestral score would be my main inspiration, but one day I found an excerpt from Nureyev dancing petrushka; Never before had I understood this doll’s musical portrait of the Incarnation so well. These five minutes tell in the most touching way the timeless tragedy of the human spirit.

Ascending lyric poetry is perhaps not the most representative aspect of Stravinsky’s music, although it had its moments. But the end of his classical ballet “Apollon Musagète”, which he completed in 1928, has something enchanting about it. For strings, shards of its characteristic edge sparkle in the sound, but this is music that seems to float high in the clouds, troubled but free, up there with the gods. There are days when I can fly it for hours, let alone five minutes.

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Chuck E. Weiss, Musician Who, in Love, Impressed a Hit Music, Dies at 76

Chuck E. Weiss, Musician Who, in Love, Inspired a Hit Song, Dies at 76

Chuck E. Weiss, blues musician, club owner and oversized character from Los Angeles, who was immortalized in Rickie Lee Jones’ breakout hit “Chuck E.’s in Love”, died on July 20 at Cedars Sinai Hospital in Los Angeles . He was 76.

His brother Byron said the cause was kidney failure.

Mr. Weiss was a voracious musicologist, encyclopedia of obscure jazz and early R&B artists, drummer, songwriter, and widely recognized villain who moved from his Denver home to his friend, singer-songwriter Tom., In the mid-1970s Los Angeles Landed Waiting.

At the Troubadour, the venerable folk club in West Hollywood where Mr. Weiss worked as a dishwasher for a while, they met another young singer-songwriter, a former runaway named Rickie Lee Jones. Mr. Waits and Ms. Jones became one item, and the three became inseparable as they wandered Hollywood, stealing lawn trinkets and joking people at music industry parties (like shaking hands with dip on their palms).

“Sometimes it seems like we’re real romantic dreamers stuck in the wrong time zone,” Ms. Jones told Rolling Stone in 1979, describing Mr. Weiss and Mr. Waits as their family at the time.

They stayed at the Tropicana Motel, a shabby 1940s bohemian on Santa Monica Boulevard. “It was a normal DMZ,” Mr. Weiss told LA Weekly in 1981, “except that they were all tan and good-looking.”

In the fall of 1977, Mr. Weiss called his pals in Los Angeles on a trip home to Denver, and when Mr. Waits hung up the phone, he announced to Ms. Jones, “Chuck E. is in love! ”

Two years later, Ms. Jones’ fanciful riff to that explanation had – “What’s her name? (Though the last line of the song suggests otherwise, it wasn’t Ms. Jones that Mr. Weiss fell in love with; it was a distant cousin of his.)

The song was a hit single, the opening track of Ms. Jones’ debut album “Rickie Lee Jones” and was nominated for a Grammy Award for Song of the Year in 1980. (“What a Fool Believes,” performed by the Doobie Brothers, took the honor.)

In a July 21 essay in the Los Angeles Times, Ms. Jones wrote that when she first met Mr. Waits and Mr. Weiss, she could not tell them apart. “They were two of the most charismatic characters Hollywood had seen in decades, and without them the entire street of Santa Monica Boulevard would have collapsed.”

In a telephone interview, she has since said of Mr. Weiss: “It was nonsense in him, he was our trickster. He was an exciting guy and a disaster for a while, as exciting people often are. “

Charles Edward Weiss was born in Denver on March 18, 1945. His father Leo was in the salvage business; his mother, Jeannette (Rollnick) Weiss, owned a hat shop, Hollywood Millinery. Chuck graduated from East High School and attended Mesa Junior College, now Colorado Mesa, in Grand Junction.

His brother is his only immediate survivor.

In his early 20s, Mr. Weiss met Chuck Morris, now a music organizer, when Mr. Morris was a co-owner of Tulagi, a music club in Boulder, Colorado. When blues performers like Lightnin ‘Hopkins and John Lee Hooker came through, they often traveled alone, and it was up to Mr. Morris to find them a local band. He would ask Mr. Weiss to fill in as the drummer.

In 1973, Mr. Morris opened a nightclub called Ebbets Field in Denver (he was born in Brooklyn), which attracted artists such as Willie Nelson, Lynyrd Skynyrd, and Mr. Waits. Mr. Weiss also took part there.

At that time, as Mr Weiss recalled in 2014, he was trying to record his own music and had a habit of asking performers to play with him. That’s how he met Mr. Waits. “And I think what happened was that one night I saw Waits doing some finger pop things in Ebbets Fields,” he said, “and I went to see him after the show. I was wearing a pair of platform shoes and a chinchilla coat and slipped on the ice in the street outside because I was so high and asked if he wanted to take me on. He looked at me like I was out of space, man. “

Still, he said, they quickly became friends.

Mr. Waits, interviewed by the Philadelphia Inquirer in 1999, described Mr. Weiss as “a human, a liar, a monkey, and a pathological vaudevilian.”

Mr. Waits and Mr. Weiss ended up working together on a number of things, in one case they co-wrote the lyrics to “Spare Parts (A Nocturnal Emission),” a barroom lament on Mr. Waits’ album “Nighthawks at the Diner ”, published in 1975. Mr. Waits produced two albums for Mr. Weiss; the first, “Extremely Cool”, in 1999, was described in a review as “a silly, eclectic mix of loosely played blues and boogie-woogie”.

Although his songwriting was unique – “Anthem for Lost Souls” was told from the perspective of a neighbor’s cat – Mr. Weiss was best known for his live performances. Gravelly, scruffy and long-winded, he was a blues man with a Borcht-belt humor.

For much of the 1980s, Mr. Weiss played at a Los Angeles club called Central, accompanied by his band The Goddamn Liars. He later encouraged his friend Johnny Depp to buy the house with him and others. They turned it into the Viper Room, the celebrity-speckled nightclub from the ’90s.

He has been asked many times how he felt about his star turn in Ms. Jones’ hit. “Yeah, I was amazed,” he told The Associated Press in 2007. “Little did we know we’d both be known for the rest of our lives.”

But the rest of her life would no longer be intertwined.

“When ‘Chuck E.’s in Love’ disappeared from the sky and disappeared into the ‘I hate that song’ desert, which it still hasn’t really recovered from, he and I became estranged and everyone became different from everyone else Cut.” Ms. Jones wrote about Mr. Weiss in her article for the Los Angeles Times. “Wait left, the short Camelot on our street corner is over. I had made fictions out of us, made heroes out of very unheroic people. But I’m glad I did. “

Later on the phone, she said, “Two of the three of us became very successful musicians, but Chuck wasn’t, and he knew a lot of people.” She added, “We think being the most famous is a win, but I’m not sure. Chuck did everything right. “

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She Mentioned She Married for Love. Her Dad and mom Referred to as It Coercion.

She Said She Married for Love. Her Parents Called It Coercion.

SRINAGAR, Kashmir — Manmeet Kour Bali had to defend her marriage in court.

A Sikh by birth, Ms. Bali converted to Islam to marry a Muslim man. Her parents objected to a marriage outside their community and filed a police complaint against her new husband.

In court last month, she testified that she had married for love, not because she was coerced, according to a copy of her statement reviewed by The New York Times. Days later, she ended up in India’s capital of New Delhi, married to a Sikh man.

Religious diversity has defined India for centuries, recognized and protected in the country’s Constitution. But interfaith unions remain rare, taboo and increasingly illegal.

A spate of new laws across India, in states ruled by Prime Minister Narendra Modi’s Bharatiya Janata Party, or B.J.P., are seeking to banish such unions altogether.

While the rules apply broadly, right-wing supporters in the party portray such laws as necessary to curb “love jihad,” the idea that Muslim men marry women of other faiths to spread Islam. Critics contend that such laws fan anti-Muslim sentiment under a government promoting a Hindu nationalist agenda.

Last year, lawmakers in the northern Indian state of Uttar Pradesh passed legislation that makes religious conversion by marriage an offense punishable by up to 10 years in prison. So far, 162 people there have been arrested under the new law, although few have been convicted.

“The government is taking a decision that we will take tough measures to curb love jihad,” Yogi Adityanath, a Hindu monk and the top elected official of Uttar Pradesh, said shortly before that state’s Unlawful Religious Conversion Ordinance was passed.

Four other states ruled by the B.J.P. have either passed or introduced similar legislation.

In Kashmir, where Ms. Bali and Mr. Bhat lived, members of the Sikh community have disputed the legitimacy of the marriage, calling it “love jihad.” They are pushing for similar anti-conversion rules.

While proponents of such laws say they are meant to protect vulnerable women from predatory men, experts say they strip women of their agency.

“It is a fundamental right that women can marry by their own choice,” said Renu Mishra, a lawyer and women’s rights activist in Lucknow, the Uttar Pradesh state capital.

“Generally the government and the police officials have the same mind-set of patriarchy,” she added. “Actually, they are not implementing the law, they are only implementing their mind-set.”

Across the country, vigilante groups have created a vast network of local informers, who tip off the police to planned interfaith marriages.

One of the largest is Bajrang Dal, or the Brigade of Hanuman, the Hindu monkey god. The group has filed dozens of police complaints against Muslim suitors or grooms, according to Rakesh Verma, a member in Lucknow.

“The root cause of this disease is the same everywhere,” Mr. Verma said. “They want to lure Hindu women and then change their religion.”

Responding to a tip, the police in Uttar Pradesh interrupted a wedding ceremony in December. The couple were taken into custody, and released the following day when both proved they were Muslim, according to regional police, who blamed “antisocial elements” for spreading false rumors.

A Pew Research Center study found that most Indians are opposed to anyone, but particularly women, marrying outside their religion. The majority of Indian marriages — four out of five — are arranged.

The backlash against interfaith marriages is so widespread that in 2018, India’s Supreme Court ordered state authorities to provide security and safe houses to those who wed against the will of their communities.

In its ruling, the court said outsiders “cannot create a situation whereby such couples are placed in a hostile environment.”

The country’s constitutional right to privacy has also been interpreted to protect couples from pressure, harassment and violence from families and religious communities.

Muhabit Khan, a Muslim, and Reema Singh, a Hindu, kept their courtship secret from their families, meeting for years in dark alleyways, abandoned houses and desolate graveyards. Ms. Singh said her father threatened to burn her alive if she stayed with Mr. Khan.

In 2019, they married in a small ceremony with four guests, thinking their families would eventually accept their decision. They never did, and the couple left the central Indian city of Bhopal to start a new life together in a new city.

“The hate has triumphed over love in India,” Mr. Khan said, “And it doesn’t seem it will go anywhere soon.”

In Bhopal, the capital of Madhya Pradesh state, the B.J.P.-led government passed a bill in March modeled after the Uttar Pradesh law, stiffening penalties for religious conversion through marriage and making annulments easier to obtain.

The government is not “averse to love,” said the state’s home minister, Narottam Mishra, “but is against jihad.”

Members of Kashmir’s Sikh community are using Ms. Bali’s marriage to a Muslim man, Shahid Nazir Bhat, to press for a similar law in Jammu and Kashmir.

“We immediately need a law banning interfaith marriage here,” said Jagmohan Singh Raina, a Sikh activist based in Srinagar. “It will help save our daughters, both Muslims and Sikhs.”

At a mosque in northern Kashmir in early June, Ms. Bali, 19, and Mr. Bhat, 29, performed Nikah, a commitment to follow Islamic law during their marriage, according to their notarized marriage agreement.

Afterward, Ms. Bali returned to her parents’ home, where she said she was repeatedly beaten over the relationship.

“Now my family is torturing me. If anything happens to me or to my husband, I will kill myself,” she said in a video posted to social media.

The day after she recorded the video, Ms. Bali left home and reunited with Mr. Bhat.

Even though a religious ceremony between people of the same faith — as Mr. Bhat and Ms. Bali were after her conversion — are recognized as legally valid, the couple had a civil ceremony and got a marriage license to bolster their legal protections. The marriage agreement noted that the union “has been contracted by the parties against the wish, will and consent of their respective parents.

“Like thousands of other couples who don’t share same the religious belief but respect each other’s faith, we thought we will create a small world of our own where love will triumph over everything else,” Mr. Bhat said. “But that very religion became the reason of our separation.”

Ms. Bali’s father filed a police complaint against Mr. Bhat, accusing him of kidnapping his daughter and forcing her to convert.

On June 24, the couple turned themselves into the police in Srinagar, where both were detained.

At the court, Ms. Bali recorded her testimony before a judicial magistrate, attesting that it was her will to convert to Islam and marry Mr. Bhat, according to her statement. Outside, her parents and dozens of Sikh protesters protested, demanding that she be returned to them.

It is unclear how the court ruled. The judicial magistrate declined requests for a transcript or an interview. Her parents declined an interview request.

The day after the hearing, Manjinder Singh Sirsa, the head of the largest Sikh gurudwara in New Delhi, flew to Srinagar. He picked up Ms. Bali, with her parents, and helped organize her marriage to another man, a Sikh. Following the ceremony, Mr. Sirsa flew with the couple to Delhi.

“It would be wrong to say that I convinced her,” Mr. Sirsa said in an interview. “If anything adverse was happening, she should have said.”

A written request for an interview with Ms. Bali was sent via Mr. Sirsa. He said she did not want to talk.

“She had a real breakdown,” he said, repeating Ms. Bali’s parents’ claims that their daughter was kidnapped and forced to marry Mr. Bhat.

Mr. Bhat was released from police custody four days after Ms. Bali left for Delhi.

At his home in Srinagar, he is fighting the kidnapping charges. He said he was preparing a legal battle to win her back, but he feared the Sikh community’s disapproval would make their separation permanent.

“If she comes back and tells a judge she is happy with that man, I will accept my fate,” he said.

Sameer Yasir and Iqbal Kirmani reported from Srinagar, Kashmir, and Emily Schmall reported from New Delhi.

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Politics

White Home Says Courting Apps Can Assist Vaccinated (and Frisky) Discover Love

White House Says Dating Apps Can Help Vaccinated (and Frisky) Find Love

“According to one of the websites, OkCupid, people who view their vaccination status are 14 percent more likely to get a match,” Slavitt said as a Dr. Anthony S. Fauci, the government’s foremost infectious disease expert and somewhat of a sex symbol in some circles, seemed to be suppressing the laughter. Mr Slavitt added, “In all seriousness, people are interested in other things in life besides their vaccine.”

Highlighting the work of tech companies that can get Americans where they are – on their phones – has been a cornerstone of the Biden government’s effort to address vaccine access concerns and hesitation and people who have not yet received a shot have to remember that could help the country get out of the pandemic. Providers administer an average of 1.83 million doses per day, a decrease of around 46 percent from the high of 3.38 million on April 13, according to federal data.

This month, the president said that Uber and Lyft, two of the country’s largest ridesharing services, would be offering free rides to vaccination sites from Monday through July 4, highlighting the benefits of a shot without actually hiring one, and establishing two classes of Americans, vaccinated and not vaccinated.

On Friday, the final message from the White House was: Get a shot, get a date.

Mr Slavitt said popular apps like Tinder, OkCupid and Hinge – along with a number of others including BLK, which is aimed at black singles and Chispa, which is marketed to Latinos – will add features aimed at reaching a population of young people who can have been largely isolated from each other during the pandemic and will promote the idea that getting a shot might help users with their intentions. Tinder plans to roll out a feature that will allow users to find vaccination sites nearby.

Mr Slavitt said Friday that the effort that could reach over 50 million people in the United States is not an official partnership with the companies. However, the White House played an important role in getting them to participate, an administrative official said, speaking on condition of anonymity to comment publicly on the effort.

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Entertainment

‘This City’ Evaluate: Love and Rifles

‘This Town’ Review: Love and Rifles

“This Town” is set in rural New Zealand and deprives an unusual premise of dark humor: Sean (David White, also the writer / director), a young man accused of murdering his entire family and then firing him for technical reasons, falls in love with a naive country girl, Casey (Alice May Connolly). White’s film parodies the loose tongues and small aspirations of crazy small town guys and borrows the mockumentary productions from dead comedies like “The Office”. But beneath the film’s crooked exterior is a piercing darkness – a streak of real danger that flinches more than flinches.

Take Sean’s obsession with guns, for example. It’s one of the red flags that Pam (Robyn Malcolm), the policewoman who stopped in anger when Sean was acquitted, has been put on the evidence card, where she continues to gather evidence of his possible guilt. Another lead from Pam is Sean’s alleged drunken sexual assault on her nephew’s girlfriend. It doesn’t help that Sean is awkward and unfathomable. When he meets the unsuspecting Casey in a dating app and they hit it off over Chinese food and pink “Munta” (a bastardization of Fanta), Casey’s friends and family are alarmed.

Like any viewer who is familiar with the realities of misogyny. The mystery of whether Sean is a misunderstood “good guy” or a sociopathic killer keeps “This Town” walking a tightrope between twee comedy and “dateline” drama, playing with the fear that gender violence causes in many of us. Yet White misses the opportunity for real satire and accelerates the many topical issues raised by the script – police corruption, mental health, gun crime – into a feel-good outcome that leaves a bad taste in the mouth.

This city
Not rated. Running time: 1 hour 31 minutes. View topic.

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Entertainment

‘Journey or Die’ Evaluation: Killing for Love

‘Ride or Die’ Review: Killing for Love

The long take that opens “Ride or Die” could be reminiscent of the steadicam take in “Goodfellas”, if not the unsettling mood it evokes. On a clear evening in Tokyo, Rei (Kiko Mizuhara) enters an underground club and buys a stranger a shot of tequila. The excitement rises when Rei and the man retreat to his apartment and start having sex. Finally, the tension breaks – not with the orgasm, but with the gruesome murder, when Rei slits the man’s throat.

Based on a Japanese manga series, “Ride or Die” (on Netflix) follows the complicated relationship between two women: Rei, a reserved doctor, and her long-time crush, Nanae (Honami Sato). We learn that the stranger at the bar was Nanae’s husband, a wealthy businessman who physically abused her. When Nanae asked Rei to kill him, Rei was obliged out of love.

The rest of this long, often enigmatic film unfolds as a fleeting road movie. After the murder, Rei and Nanae flee to the country. They visit Nanae’s orphanage and protect themselves from the rain in a train depot. Despite the ferocious efforts Rei goes to for Nanae, the duo did not speak in a decade prior to the murder. Your outlier also serves as a reunion trip.

Director Ryuichi Hiroki carefully steps out of the couple’s flourishing alliance. Meals are times of laughter and bonding, while occasional recaps of the women’s prep school days provide a delicate backstory of their union. The film gracefully captures the rhythm of intimacy as it deepens faster in stolen time.

But even if they develop a relationship, the women themselves remain ciphers. We are asked to accept that Rei committed murder out of romantic enthusiasm, but her victim is too great to empathize with. Nanae’s feelings are dark too – what she wants out of their time together seems to change on a whim. This blurring of character never becomes clearer and makes “Ride or Die” an experience as frustrating as it is sentimental.

drive or die
Not rated. In Japanese with subtitles. Running time: 2 hours 22 minutes. Watch on Netflix.

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Entertainment

5 Minutes That Will Make You Love Brahms

5 Minutes That Will Make You Love Brahms

In der Vergangenheit haben wir die fünf Minuten gewählt, die wir spielen würden, um unsere Freunde dazu zu bringen, sich in klassische Musik, Klavier, Oper, Cello, Mozart, Komponisten des 21. Jahrhunderts, Geige, Barockmusik, Sopranistinnen, zu verlieben. Beethoven, Flöte, Streichquartette und Tenöre.

Jetzt wollen wir diese neugierigen Freunde davon überzeugen, die Musik von Johannes Brahms (1833-97) zu lieben, dem Meister rührender symphonischer Ausrufe und launischer Klaviersoli. Wir hoffen, dass Sie hier viel zu entdecken und zu genießen finden. Hinterlassen Sie Ihre Favoriten in den Kommentaren.

Der Beginn von Brahms ‘Klavierkonzert Nr. 1 ist eine meiner Lieblingskonzerteröffnungen. Es hat Drama, Intensität und Emotionen – und das ist, bevor sich das Klavier überhaupt anschließt! Der Solist kommt fast vier Minuten lang nicht herein, während das Orchester eine lange, spannende Einführung hat, die die Themen des Satzes illustriert. Brahms nutzt das volle Orchester mit viel Größe, so dass der Eingang des Klaviers immer eine schöne Überraschung ist und sehr lyrisch und leise wirkt. Und nach so langem Warten!

Als mein Vater 1997 starb, beschloss ich, zwei Monate lang keine Musik zu hören. Und nach zwei Monaten sagte die Stimme meines Vaters zu mir: “Du musst jetzt Musik spielen.” Also schaltete ich das Radio ein. Ich brachte meinen Sohn zur Schule und als ich ihn einschaltete, hörte ich diese Melodie. Mein Vater spielte Geige und ich fühlte eine Verbindung, dass er mich zu diesem Lied führte; es stellte sich heraus, dass es Brahms war. Nicht lange danach arbeiteten wir mit Dave Matthews an „Supernatural“ und dieser Song kam wieder auf. Ich habe es mit Dave geteilt und als nächstes wurde es auf dem Album als “Love of My Life” veröffentlicht.

Im Gegensatz zu vielen modernen Musikern, die sich für diese Individualitätssache begeistern, gebe ich offen zu, gestohlen zu haben. Ich stehle. Und ich stehle viel von Brahms. Es gibt Zeiten, in denen es unbeabsichtigt ist, und Zeiten, in denen es ziemlich beabsichtigt ist. Das war 50/50. Ich habe Musik für „Ma Raineys Black Bottom“ gemacht und ein melancholisches Stück für Toledo, den Klavierspieler im Film, und das Streichorchester geschrieben. Ich schreibe die Melodie und habe sie im dritten und vierten Takt aufgelöst. Ich habe diese zweite Hälfte von irgendwoher gestohlen, aber es dauerte Wochen, bis ich herausgefunden hatte, wo. Natürlich habe ich es aus einem von Brahms ‘Intermezzos genommen.

Meine Einführung in Brahms erfolgte 1975 in der Carnegie Hall, wo Herbert von Karajan mit den Berliner Philharmonikern die Zweite und Vierte Symphonie dirigierte. Ich hatte gerade für ihn vorgesprochen; Er bat mich, das Sopransolo aus dem „Deutschen Requiem“ vorzubereiten, damit ich es am Ende der Tour singen konnte, und er lud mich zum Konzert ein. Es war ein unvergessliches Erlebnis. Ich habe später mit ihm und den Wiener Philharmonikern das „Requiem“ aufgenommen: Ich widme dieses Solo allen, die Angehörige verloren haben oder unter dieser Pandemie leiden, wichtige Arbeiter und Opfer von Konflikten und Tragödien auf der ganzen Welt.

Dieses Intermezzo ist Clara Schumann gewidmet und emotional und intensiv. Es hat einen magischen Zauber, eine liebevolle Aura, die das Herz sanft berührt. Die Kraft dieser Musik versetzt Sie in eine Welt der Selbstbeobachtung und intimen Ruhe. Es ist ein Stück, das niemals stirbt; es spielt auf etwas an, das man niemals greifen kann. Du hörst auf seine Poesie und es zwingt dich, immer wieder zuzuhören.

Ich liebe die geräumigen, prüfenden, launischen Brahms; die Brahms von Breite und Tiefe; der progressive Komponist, dessen reife harmonische Sprache die Atonalität Schönbergs vorwegnahm. Aber Brahms, ein virtuoser Pianist in seiner Blütezeit, hat auch eine wilde Seite, eine auffällige Spur. Und keine Musik fängt ihn besser in diesem Sinne ein als das tanzende, schwindelerregende Finale seines Klavierquartetts Nr. 1 in g-Moll, das er als Rondo „im Zigeunerstil“ bezeichnet. Bei dieser aufregenden Aufnahme aus dem Jahr 1967 schließt sich Artur Rubinstein, damals knapp 80 Jahre alt, weitaus jüngeren Mitgliedern des Guarneri-Quartetts an.

Hier ist mehr von diesem fröhlichen Brahms: das Finale seines Violinkonzerts, ein Tanz mit einem Fuß in einem prächtigen Ballsaal, der andere auf einem heruntergekommenen Dorfplatz. Nach dem zarten langsamen Satz des Konzerts ist es eine unwiderstehliche Explosion. Die Solistin hier ist die silberfarbene Janine Jansen; Ich hörte sie nicht lange vor Beginn der Pandemie spielen, daher ist es für mich eine wertvolle Erinnerung daran, was vorher kam – und was danach kommen wird.

Brahms gab uns Musik von großer emotionaler Tiefe, die uns zum Innehalten und Nachdenken zwingt. Insgesamt ist sein musikalisches Auftreten ernst und wunderschön melancholisch. Sein „Deutsches Requiem“ lebt seit meiner Jugend in Südafrika bei mir, als ich es zum ersten Mal auf einem Kunstfestival hörte. Drei Jahre später würde ich mich daran wenden, wenn ich um den verheerenden Verlust meiner Großmutter trauere. Anstelle des traditionellen lateinischen Requiems stellte Brahms seinen eigenen schönen Text aus biblischen Quellen in einer Umgebung zusammen, die ihnen neue Bedeutungen gab. Vom Eröffnungsmotiv in den Celli bis zu den ersten vom Chor gesungenen Worten – „Selig sind die Trauernden“ – werden wir von Wärme, Trost und, wie man sagen darf, Liebe umarmt. Ich musste mich während dieser Pandemie erneut daran wenden, um leise über den Verlust enger Freunde zu trauern.

Als ich 11 Jahre alt war, wurde ich von Ohrenentzündungen taub. Nach einer Operation wurde ich zu einem Konzert gebracht, um mein erholsames Gehör auszuprobieren. Die Wirkung dieser Musik war überwältigend. Später wurde mir klar, dass kein anderes Musikstück so beginnt: in der Krise der kritische Moment. Über das beharrliche Pochen einer Trommel steigt das Orchester langsam nach oben, drückt sich gegen die Schwerkraft, kämpft so hart und fällt dennoch zu kurz. Es sprach mich schon als Kind an. Wie könnte etwas so herzzerreißendes so schön sein? Wohin führte dieser immense Kampf? Ich musste es wissen.

Brahms ‘intimste Gefühle manifestierten sich in seinen letzten Klavierstücken, Op. 116 bis 119. Meine Wertschätzung für sie wuchs mit jeder Begegnung: Erstens, als ich einige von ihnen als Klavierstudent im Grundstudium lernte; später, als ich die Gelegenheit hatte, sie in der Graduiertenschule zu studieren; und zuletzt, als die letzten Gedanken dieses Komponisten durch unser Haus hallten, als meine Frau Deborah die Op. 119 eingestellt. Diese Stücke fühlen sich persönlich und bemerkenswert ausgereift in ihrer Einfachheit an, voller Schönheit und komplizierter Details.

Ich denke an meinen Schwiegervater Ornithologen zurück und frage mich laut: „Wie konnte Brahms Musik schaffen, die nach der Weite der Natur klingt?“ Und zu meinem ehemaligen Lehrer, der darüber nachdachte, dass Brahms immer versuchte, Texturen zu schreiben, die für ein bestimmtes Ensemble zu groß waren. Ich höre den langsamen Satz des Klarinettenquintetts und höre auf mikroskopischer Ebene, dass er eine grenzenlose Welt erschafft. Es ist, als würde man die Sehne des Körpers sehen, die Adern der Blätter. Es gibt so viel zu sehen: Reichtum der Harmonien, Rhythmus von Duplets und Drillingen, die aneinander reiben. Sie alle versammeln sich, um die Traurigkeit und Schönheit dieser Offenbarungsarbeit zu binden.

Brahms ‘Vierte Symphonie erfüllt immer wieder die Plätze im Konzertsaal mit ihrem Charme und dem vertrauten Zusammenspiel von Streichern und Holzbläsern. Ich liebe es, weil ich mich dadurch fühle. Es ist ein alter Freund, der besucht. Gemeinsam gehen wir einen Waldweg entlang, lachen und erinnern uns in einem ständigen Dialog über all die schönen Erinnerungen an vergangene Sommerfestivals.

Als ich Mitte der 1980er Jahre zur Manhattan School of Music ging, ging ich in die Bibliothek, um meine Hausaufgaben zu machen. Eines Tages bereitete ich mich auf eine Lesung des Brahms Op. 40 Trio; Eine Version sah interessant aus, weil sie beim Marlboro Festival aufgenommen worden war, von dem ich wusste, dass es selbst als Neuling prestigeträchtig war. Der Hornist war Myron Bloom, einer der ganz Großen – obwohl ich keine Ahnung hatte, wer er zu der Zeit war. Der Pianist Rudolf Serkin und der Geiger Michael Tree waren ebenfalls Legenden. Diese Aufnahme veränderte meine Wahrnehmung davon, was klassische Musik ist – und wie schön das Waldhorn in den Kanon passen könnte.

“Musik für die Seele”, “Medizin für die Stimme”: Dies sind zwei der Kommentare meiner Sänger, als wir diese Aufnahme von “A German Requiem” machten. Tief in den Text einzudringen – seine Phrasierung, Diktion und Bedeutung – war Teil einer faszinierenden Reise mit diesem großen Chor und Orchester, die das instinktive Verständnis der Tradition genoss; der warme, samtige Chorklang; und die Virtuosität der Berliner Philharmoniker. Alles kam zusammen. Dieses Stück ist in Deutschland so bekannt, dass man das Publikum in seiner Fantasie mitsingen fühlen kann; Es ist Musik, die uns erhebt, wenn wir sie teilen.

Es ist nicht nur seltsam, der Wechsel von Dur zu Moll: Bei dieser atemlosen Fahrt mit einem Scherzo fühlt es sich gewalttätig an, mit existenziellen Einsätzen, da die beiden Modi mit der dringenden Dringlichkeit von Antagonisten, die auf einem außer Kontrolle geratenen Zug kämpfen, um Kontrolle kämpfen. Auch der Rhythmus wechselt stark zwischen Doppel- und Dreifachformen, selbst wenn der Schwung nach vorne läuft. Das Gefühl der Einheit und des treibenden Flusses, das aus dieser destabilisierenden Mischung von Elementen entsteht, ist unheimlich – Brahms von seiner berauschendsten und klügsten Seite.

War Brahms ein Klassiker oder ein Progressiver? Warum nicht beide? Wilhelm Kempffs zurückhaltende, kunstvolle Herangehensweise an die späten Klavierwerke erinnert daran, wie man alles zusammenbringt. Wunderschöne melodische Linien sind mit einer Gesangsqualität geformt; überraschende Brüche haben eine neckende Verspieltheit. Und nicht lange nach der Drei-Minuten-Marke in einer Aufnahme von Op. 119, Nr. 4, Kempff ehrt einige streunende, knusprige Low-End-Noten, die die ansonsten schiefe Passage stören – Brahms ‘Fremdheit mit seiner Anmut in Einklang zu bringen.

Mit und in der Musik kann man dem Chaos des Lebens standhalten und eine mögliche Harmonie wiederentdecken, die nicht von verlorenem Paradies spricht, sondern von gefundenem Paradies. Romantik ist eine Art zu sein. Es ist ein Kampf um die Ganzheit, um das Wesentliche. Es ist mit leeren Händen und offenem Herzen auf dieses Ziel zuzugehen. Musik ist Leidenschaft, die ihren Rhythmus gefunden hat. Bei Brahms kommt der innere Puls der Musik dem des menschlichen Herzens sehr nahe. Durch seine Unterschrift „Rückblick“, dieses Gefühl der Sehnsucht und des Rückblicks, wird seine Sprache unbeschreiblich ergreifend.

Wenn Ihnen jemals jemand sagt, dass Brahms langweilig oder emotionslos ist – und das muss verblüffend passieren -, antworten Sie einfach mit einem der drei Intermezzos seines Opus 117. Nach dem ersten kommt ein Wiegenlied von vernichtender Schönheit auf Platz 2 B-Moll. Es ist auch ein Schlaflied mit einer leisen Melodie – so einfach wie die Zwei-Noten-Phrasen, die seine Vierte Symphonie eröffnen -, die aus sanft fließenden Läufen hervorgeht. Trotz der kaskadierenden Architektur ist es weniger eine leidenschaftliche Ausgießung als eine Einladung von einer einsamen Seele zur anderen für fünf Minuten tief empfundener Intimität.

Ich habe lange gebraucht, um Brahms zu lieben, dessen Musik mich einst als allzu schläfrig empfand – „herbstlich“, wie wir Kritiker es oft nennen. Erst als die Zeit mich zwang zu lernen, dass Leben zu verlieren bedeutet, denke ich, war ich besessen von der dunklen Seite seiner Partituren: der Trauer und Trauer, der Einsamkeit und Schuld, der Verzweiflung, sogar der Wut. Nirgendwo ist diese Dunkelheit so verschlungen wie in seiner vierten und letzten Symphonie, einem Werk mit Wut im Herzen, egal welches Gesicht es zu bewahren versucht. Und kein Dirigent hat seine Schrecken verzehrender gemacht als Wilhelm Furtwängler.

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Can You Love a Stand-Up Particular About Loathing?

Can You Love a Stand-Up Special About Loathing?

The climax is the breakup, a story centered around how his girlfriend Rowan Atkinson, the comedian best known for playing English comic book institution Mr. Bean, is a specialist in physical problems. In a sad pout, Acaster describes the particularly comical horror of being a young comic that is “left over for Mr. Bean,” a sentence he repeats in a horror film with the urgency of violins. It’s a masterpiece of cringe comedy that he keeps digressing to anticipate criticism that it’s bitter and petty.

Acaster isn’t a comic strip that tells the truth and doesn’t care what people think. He seems concerned about his doing well, but uses his own sensitivity to add another layer of tension to his stories. By explaining the fallout with his agent, he shows he’s fair, so much so that he says he’ll only tell the story from his point of view. It begins, “The first thing you need to know is that I ruined everything and made it laugh.”

It is a familiar trick to ridicule someone by imagining the terrible logic of their thinking, but few have committed to it as completely or as long. Many of Acaster’s jokes have a theatrical quality, and in addition to act-outs, there is an elaborate pantomime with props. He even makes a short chunk of ordering food in a restaurant to illustrate his point of view on Brexit.

He carries out his fights with gusto, and in his argument with his agent, he reminds you of his struggles with mental health that led him to see the therapist, resulting in the most explosive fight on the show. When he takes out his cell phone to read his private text messages to him, he smiles like someone enjoying the pleasure of playing dirty.

This is a show that has clearly gone through many incarnations so with the purchase of Cold Lasagna Hate Myself 1999 you may get another 40 minute performance on similar subjects. Cold lasagna is never actually mentioned, but even “hating myself” seems strange as there is so much other loathing going on here.

Muted anger is sometimes a setup, sometimes a punch line, but always essential to this show. At one point, Acaster says he’s traveled all over the country, adding, “Let me tell you, I hate Britain, absolutely hate it.”

Then he always apologizes about the exact order of the words. “I put it wrong,” he says and pauses. “I hate the British.”