In der Vergangenheit haben wir die fünf Minuten gewählt, die wir spielen würden, damit sich unsere Freunde in klassische Musik, Klavier, Oper, Cello, Mozart, Komponisten des 21. Streichquartette, Tenöre, Brahms, Chormusik, Schlagzeug, Sinfonien und Strawinsky.

Jetzt wollen wir diese neugierigen Freunde davon überzeugen, die Trompete zu lieben. Wir hoffen, Sie finden hier viel zu entdecken und zu genießen; Hinterlasse deine Favoriten in den Kommentaren.

Der musikalische Begriff „Intrada“ suggeriert eine Fanfare, Musik, die einen Eingang markiert. Dieses 1947 vom Schweizer Komponisten Arthur Honegger geschriebene Buch fängt die vielen Persönlichkeiten der Trompete ein: edel und bombastisch, verschmitzt und meditativ. Hakan Hardenberger gleitet nahtlos zwischen diesen Stimmungen und treibt die Energie durch das ausgelassene Finale.

Hier ist mein leidenschaftlicher Ruf, die Trompete zu verstehen! Sehen Sie das Ausrufezeichen? Das macht eine Trompete. Es unterstreicht Emotionen. Mein Trompetenlehrer Bill Fielder fragte immer: “Was ist die Trompete?” Ich würde einen Moment nachdenken und eine enzyklopädische Antwort anbieten wie „Ein Metallinstrument mit … bla, bla, bla“. Dazu sagte Mr. Fielder: “Es ist ein Spiegel Ihres Geistes.”

Normalerweise würde ich Sie einladen, Miles Davis’ „Porgy and Bess“ zu hören, eine klassische Zusammenarbeit zwischen Miles und Gil Evans. Dieses Album bereitete die Bühne für Leute, die anders über Orchester und Jazz denken. Aber während ich dies schreibe, war gestern der 16. Jahrestag des Hurrikans Katrina. Mein Song „Funeral Dirge“ vom Album „A Tale of God’s Will“, der ursprünglich für den Soundtrack von Spike Lees erstem Katrina-Dokumentarfilm „When the Levees Broke“ komponiert wurde, verfolgt mich noch heute. Eigentlich habe ich nicht das Gefühl, dass ich es komponiert habe. Ich habe das Gefühl, es würde mir zugeschrieen: mein persönlicher Ruf, meine Heimatstadt New Orleans zu hören und zu weinen.

Leichen schweben. Leichen auf Autos. Leichen im Gras. Leichen an Orten, die ich kannte. Leichen in Vierteln, in denen ich aufgewachsen bin. Ich habe diese Leichen in den Rohaufnahmen von Spikes Dokumentarfilm gesehen. Eine Leiche, die ich im Video nicht gesehen habe, war die eines alten Freundes aus der Nachbarschaft, der starb, als er versuchte, den Menschen zu helfen, auf ihren Dächern zu bleiben, während darunter die Fluten tobten. Ich habe noch nie so viel geweint, Tränen vergossen für die vielen Leichen, die ich sah, und die vielen, vielen anderen, die ich nicht sah. Dieses Klagelied ist mein Tribut an diese tapferen, tapferen, gefallenen Helden. Gott segne diese Seelen von Katrina – und heute diese Seelen von Ida.

Konventionelle Weisheit besagt, dass Louis Armstrongs Höhepunkt mit seinen bahnbrechenden Aufnahmen aus den späten 1920er und frühen 30er Jahren erreicht wurde. Glauben Sie es nicht! Er blieb bis weit in die Mitte des Jahrhunderts eine starke kreative Kraft, und seine Aufführung von „Dear Old Southland“ im Rathaus von 1947 zeigt, wie er sein Verständnis einer Melodie weiter vertiefte.

Diese Duo-Interpretation mit dem Pianisten Dick Cary beginnt als ein Geständnis mit steifer Oberlippe; die einleitenden Trompetenlinien deuten auf einen Redner hin, der auf sanfte Weise etwas Traurigkeit anvertraut. Aber schließlich löst sich der Versuch, den Schein aufrechtzuerhalten, auf, als Armstrong Schwärme von aufgewühlten Gefühlen aussendet. Die strahlende Sicherheit seiner Technik – Noten biegen, nach neuen Höhepunkten greifen – verleiht dieser sich entwirrenden unverwechselbaren Würde. Und der kurze Hinweis des Endes auf eine schreitende, sonnigere Zukunft bietet einen weiteren Blick auf die Formbarkeit einer Seele.

Am besten lernt man ein Instrument kennen, indem man dafür schreibt. Es ist, als würde man jemanden gut kennenlernen; Sie lernen ihre Stärken, ihre Schwächen. Die Trompete hat einen sehr begrenzten Tonumfang: Dieses Stück mit vier Trompeten zu schreiben war wie im Gefängnis, weil der Tonumfang so klein ist; Es ist wie vier Leute in einem kleinen Raum. Aber innerhalb dieser zweieinhalb Oktaven kann es wirklich klettern. Wenn Sie von A nach C gehen, ist es, als würden Sie vom Keller in den Himmel gehen.

Wer hätte gedacht, dass Licht, das Licht berührt, mit Verständnis verbunden ist, dass Inspiration und Kreativität im Herzen und in der Seele eines wahren Künstlers verbunden sind? Miles Davis’ „Calypso Frelimo“ zu hören, war für mich ein inspirierter Moment der Musik als Kunst.

Das Stück beginnt auf einem erschreckend intensiven Niveau. Zuerst das Trompetensolo, wunderschön inspirierte Musik mit lang- und kurz wechselnden Klängen, brüllende Glissando-Multiphonics, durchsetzt mit nuancierten Mikro-Sonics: pure melodische Entwicklung mit einer kreativen Bandbreite, die von Emotionen gepaart ist, und genau das richtige Maß an Raum und Stille, die perfekt gewölbt sind eine weite, stille Umgebung auf mysteriöse Weise, ohne Anstrengung.

Als ich zum ersten Mal eine Aufnahme von Mahlers Symphonie Nr. 3 hörte, war ich fasziniert von der Metamorphose des Trompetenklangs zum beredten, fernen Timbre des Posthorns, das im dritten Satz aus dem Off tritt. Dies war Leonard Bernsteins Version mit dem New York Philharmonic, mit John Ware als Solo, und als sehr junger Trompeter, der mit kommerzieller und afrokubanischer Musik aufgewachsen war, hatte ich noch nie eine so einfache und doch ergreifende Melodie gehört. Es war eines der Hörerlebnisse, das meine frühe Karriere als Sinfonieorchester-Musiker am stärksten beeinflusst hat.

Kenny Dorham (1924-72) erregte mit Gabriel-ähnlicher Kraft und Bravourtechnik keine Aufmerksamkeit. Als Liebling von Jazzkennern verführte er die Zuhörer mit der gefühlvollen Wärme, dem farbenfrohen Witz und der zurückhaltenden Weisheit des angesagtesten Lebemanns der Szene. Alles an seiner Herangehensweise an Trompete und Improvisation war ausdrucksstark, entspannt und persönlich. Die gesprenkelten Schlieren seines dämmrigen Tons und die flirtende Sprungkraft, die er 1959 zum Standard „I Had the Craziest Dream“ bringt, lassen Ihr Herz schnurstracks treffen. Seine improvisierten Phrasen mit lässigem Charme verzaubern mit raffinierten melodischen und rhythmischen Reimen und pikanter Tonwahl. Er erzählt eine Geschichte, lädt Sie in seinen Traum ein – in den Sie sich nicht nur in die Trompete, sondern auch in den Mann mit dem Horn verlieben.

Jedes Jahr kommt der „Messias“ und jedes Jahr, fast am Ende, kommt der Moment, den Atem anzuhalten. Viele Aufführungen von Händels klassischem Oratorium finden heute auf historischen Instrumenten statt, und die Barocktrompete ist ein unhandliches Tier: lang, gerade und ohne die Ventile, die es Spielern moderner Trompeten ermöglichen, Töne zuverlässig zu treffen. Auch wenn es hoffentlich nicht danach klingt, ist der schwebende, engelhafte, königliche Solopart, der diese Bass-Arie krönt, eine gnadenlose Prüfung des Könnens, da der Spieler den Tag des Gerichts ankündigt – und seinen eigenen erträgt.

1958 beauftragte mein Vater, der Dirigent Felix Slatkin, den Komponisten Leo Arnaud, Stücke zu schaffen, die das damals neue Audioformat Stereo demonstrieren sollten. Unter Verwendung verschiedener Militärfanfaren sowie Originalmelodien enthielt “Bugler’s Dream” das, was als “The Olympic Fanfare” bekannt wurde. Der Track wurde auf einem Capitol Records-Album namens “Charge!” und wurde mehrfach neu aufgelegt.

Mit Trompeten aller Größen und der Aufteilung der Musiker auf zwei verschiedene Studios, gab es einfach keine bessere Möglichkeit, nicht nur die neue Technik, sondern auch das unglaubliche Können der 26 Spieler zu zeigen. Wenn Sie die Trompete nach dem Hören nicht lieben, empfehle ich den Track, der die 12 Dudelsackspieler enthält.

Die Trompete ist eine Länge des unmöglichen Lotens – körperlich anstrengend und launisch – und das Spielen beinhaltet einen Akt der illusorischen Kontrolle. Trompeter geben im besten Fall einen Teil dieser Täuschung auf, und ihre Unvollkommenheit lässt den Hörer in ein Geheimnis einweihen: die Menschlichkeit des Musikers. Sie streben nach etwas Essentiellem und das Scheitern, es zu erreichen, zeigt ihre wahre Virtuosität. Was Ron Miles auf „Witness“ erreicht, erfordert, dass er über seine erstaunliche Technik hinausgeht, und der herzzerreißende Klang, der aus seinem Brechen der Illusion entsteht, ist die Trompete in ihrer grundlegendsten Form: verletzlich, virtuos und echt.

Nicht weniger als 14 Trompeten (und 11 weitere Blechbläser) lodern mächtig durch das Fanfarenfinale von Janaceks Sinfonietta. Das Werk wurde 1926 anlässlich der Eröffnung eines Massenturnfestivals geschrieben, das teils Fitness-Bonanza, teils Explosion des tschechischen Nationalstolzes war. Ein Lobgesang der Streitkräfte klingt schrecklich, aber Janacek hat etwas Lokales – ein Porträt seiner Heimatstadt Brünn – und Universales geschaffen. Die Musik spiegelt nicht reaktionären Jargon wider, sondern wilde Befreiung.

Johnny Coles malt ein Spektrum der Klangfarbenmöglichkeiten der Trompete vom Feinsten: sanfte Blues, goldene Buttertöne und dreiste Orangen, die eine zarte Unterseite des Horns offenbaren. Er lässt leicht vergessen, dass die Trompete als Instrument der Fanfare und des Krieges geboren wurde. Aber letztendlich ist es die Ausdrucksbreite, die ich hier am meisten liebe, die Räume, die übrig bleiben, um diese Farben zum Vorschein zu bringen. Und während Coles’ harmonische Konturen hauptsächlich innerhalb der Linien gleiten, bringen die flüchtigen Momente, in denen die Trompete nach draußen schlüpft – verschmierend, geschwungen, hochfliegend – eine purpurfarbene Schönheit hervor, die den Blues in einer weiblichen Form erklingen lässt.

In dieser Aufnahme fasziniert mich, wie die Trompete die Botschaft des Liedes so klar wie der Text ausdrückt. In meiner Karriere habe ich aus erster Hand gesehen, wie die Kompositionen von Gabriella Smith, die Poesie von Paul Simon und die Kraft von Justin Vernons Stimme eine Vielzahl von Gefühlen so direkt ausdrücken können. Wenn Sie Musik als die Vermittlung komplexer menschlicher Emotionen von einem Künstler an einen Hörer durch Klang denken – und wenn Sie klassische Musik im weiteren Sinne der amerikanischen Tradition betrachten –, macht das niemand besser als Louis Armstrong. Was mich anfangs an die Trompete zog und mich immer wieder anzieht, ist die Ähnlichkeit des Klangs mit der menschlichen Stimme, sowohl in seinen Ausdrucksmöglichkeiten als auch in seinen Produktionsmitteln: Atem, Schwingung, Projektion.

Alessandro Ignazio Marcellos Konzert in c-Moll war ursprünglich ein Oboenkonzert, wurde aber seitdem für andere Instrumente adaptiert, und eine seiner bekannteren Aufnahmen zeigt Tine Thing Helseth auf der Piccolo-Trompete. Als ich dieses Stück zum ersten Mal hörte, war ich in der sechsten Klasse. Ich wusste damals nicht, was eine Piccolo-Trompete ist, aber ich wusste, dass ich irgendwann in meiner Karriere einen Punkt erreichen wollte, an dem ich in der Lage sein würde, ein so reichhaltiges und interessantes Stück wie dieses zu spielen.

Leroy Anderson, der Meister der leichten Orchesterminiatur, erinnerte sich daran, dass sein 1949er Stück „A Trumpeter’s Holiday“ seinen Ursprung hinter den Kulissen eines Boston Pops-Konzerts hatte. Der große Trompeter Roger Voisin, damals Rektor der Pops, beklagte sich, dass Trompetenwerke dazu neigten, laut, martialisch und triumphierend zu sein. Voisin schlug Anderson vor, etwas anderes zu schreiben.

Das Ergebnis war dieses sanfte Schlaflied. Natürlich war es immer noch ein Trompetenstück, so dass Anderson nicht umhin konnte, jazzige Passagen einfließen zu lassen: Die betörende Melodie hat eine leicht sprunghafte Tonwiederholung, auch wenn das Orchester im Hintergrund eine einlullende Stimmung beibehält, und einen Mittelteil wird unruhig und synkopiert in einem Moment des Unfugs.

Als Kind, das Geige spielt, schätzte ich die Trompete langsam, die wie andere Blechblasinstrumente temperamentvoll und ausdrucksresistent wirkte – insbesondere im Vergleich zu Streichern. Wie falsch ich lag. Nehmen Sie den Donnerstagsteil von Karlheinz Stockhausens siebentägigem Opernzyklus „Licht“. Das Drama des zweiten Akts, „Michaels Reise um die Erde“, entfaltet sich mit den Figuren, die mit Instrumenten dargestellt werden, nicht mit Singstimmen. In diesem Ausschnitt liefern sich Michael (dargestellt von einer Trompete) und Eva (ein Bassetthorn) ein Duett, das kokett, witzig und – entgegen meiner naiven Annahme – voller Menschlichkeit ist.

RELATED ARTICLESMORE FROM AUTHOR